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Il termine Fortuna ricorre con insistenza in Amleto e costituisce uno dei nuclei concettuali dell’opera. Shakespeare lo utilizza per esprimere una visione del mondo segnata dall’incertezza, in cui l’azione umana si scontra continuamente con forze che sfuggono al controllo razionale. Nel celebre monologo “Essere o non essere”, Amleto descrive l’esistenza come una condizione esposta ai “colpi di fionda e ai dardi dell’oltraggiosa Fortuna”, una formula che condensa l’esperienza della vulnerabilità umana di fronte agli eventi.

Dalla tradizione alla rappresentazione shakespeariana

Per il pubblico elisabettiano, la Fortuna non era un concetto astratto. Derivata dalla tradizione classica e medievale, era comunemente rappresentata come una dea bendata, associata alla ruota che eleva e abbatte gli uomini senza distinzione morale. Questa immagine, trasmessa da autori come Boezio, faceva parte di un lessico culturale condiviso. Shakespeare ne conserva i tratti essenziali, ma li inserisce in una struttura drammatica in cui la casualità non è neutra, bensì avversa al protagonista.

Nel monologo, la Fortuna è descritta come una forza violenta e oppressiva. L’aggettivo “oltraggiosa” (outrageous) suggerisce eccesso e mancanza di misura, trasformando il caso in un principio destabilizzante. La vita appare come un accumulo di eventi che si impongono sull’individuo senza offrire un criterio di senso. In questo contesto, l’azione perde efficacia: se gli esiti dipendono dalla Fortuna, ogni scelta rischia di apparire arbitraria. La paralisi di Amleto nasce anche da questa consapevolezza.

Accanto a questa dimensione cosmica, Shakespeare attribuisce alla Fortuna una valenza più concreta e sociale. Quando Amleto la definisce una “sgualdrina”, il linguaggio si fa polemico e morale. La Fortuna è presentata come infedele e corruttrice, capace di concedere favori senza riguardo per il valore. Questa rappresentazione riflette un ordine politico percepito come instabile, in cui il potere non è il risultato del merito, ma dell’opportunità e dell’inganno. L’ascesa di Claudio, che ottiene il trono e la regina attraverso un crimine, fornisce il contesto narrativo a questa lettura.

Il riferimento costante alla Fortuna segnala quindi una frattura tra l’azione morale e il risultato. L’individuo può riconoscere ciò che è giusto, ma non ha la garanzia che il mondo risponda alla giustizia. È questa distanza a rendere problematico l’agire di Amleto e a trasformare la tragedia in una riflessione sull’instabilità dell’esperienza umana.

Solo nell’atto finale si registra un mutamento. Prima del duello con Laerte, Amleto afferma che esiste una “speciale provvidenza nella caduta di un passero”. Si passa quindi dal concetto di Fortuna, che prevede che gli eventi siano casuali, a quello di Provvidenza, ovvero dell’esistenza di un piano ineluttabile, seppur oscuro a chi lo vive.

Diversamente da quando si parlava di Fortuna, in cui Amleto voleva poterne controllare l’esito, qua l’essere umano non ha alcun potere di influenzare il piano divino. Può però controllare la propria disposizione nei confronti degli eventi a lui predestinati. Solo perché le cose appaiono casuali, non vuol dire che lo siano.

Figlio del proprio tempo: la lotteria elisabettiana

Il rilievo attribuito alla Fortuna in Amleto è coerente con il contesto storico di Shakespeare. Nell’Inghilterra tardo-cinquecentesca il rischio e l’alea erano parte della vita quotidiana. Non esistevano casinò nel senso moderno, ma il gioco d’azzardo era diffuso in taverne e luoghi pubblici, con dadi, carte e scommesse. Più significativa, sul piano istituzionale, fu la lotteria nazionale autorizzata da Elisabetta I nel 1567. Ideata per finanziare opere pubbliche, con biglietti a prezzi piuttosto alti, la lotteria, seppur fallimentare, fu uno dei primi tentativi di utilizzare il gioco d’azzardo come strumento fiscale.

Questa prova di istituzionalizzare il gioco e adoperarlo per riempire le casse dello stato si rivelò lungimirante ed è tutt’ora in voga molti paesi, Italia compresa, con la differenza che non sono solo i più abbienti ad avere accesso: chiunque, oggigiorno, può avere connettersi ai siti di casinò e consultare le risorse online per accedere ai migliori bonus casinò.

Una Fortuna non casuale

In Amleto, la Fortuna costituisce una chiave interpretativa della condizione umana. Shakespeare mostra un mondo in cui l’incertezza non può essere eliminata, ma solo riconosciuta e affrontata. La tragedia non offre soluzioni definitive, ma registra il passaggio da una concezione del destino come forza cieca a una forma di consapevolezza che rende possibile l’azione pur nella precarietà. È in questa tensione, ancora attuale, che risiede la forza culturale dell’opera.

William Shakespeare è universalmente celebrato come il più grande drammaturgo della letteratura inglese, ma c’è un capitolo della sua vita che rimane avvolto nell’incertezza. Tra il 1585, quando i suoi gemelli Hamnet e Judith furono battezzati, e il 1592, quando emerse come autore e attore nella Londra teatrale, le tracce documentarie sulla sua vita sono inspiegabilmente scarse. Questo arco temporale è noto come i Lost Years, ossia gli anni perduti.

Un vuoto nei registri storici

Non abbiamo fonti contemporanee affidabili che dicano cosa Shakespeare facesse in questi sette anni. Non compaiono documenti legali, contratti di lavoro o altre testimonianze certe che possano svelare le sue occupazioni o i suoi spostamenti. È a partire dal 1592, con scritti che lo citano direttamente nella scena teatrale londinese, che la sua presenza diventa inequivocabile nei registri storici.

Piste tradizionali e racconti antichi

Molte delle storie che circolano su questo periodo sono nate dopo la morte del drammaturgo e non sono corroborate da prove storiche. Una leggenda molto diffusa racconta che fosse stato coinvolto in episodi di bracconaggio sui terreni del signorotto locale, Sir Thomas Lucy, e che per questo fosse fuggito a Londra. Questa versione è menzionata da biografi successivi, ma manca di documentazione coeva.

Un altro racconto di epoca successiva sostiene che Shakespeare abbia lavorato come maestro di scuola di campagna, un’idea riportata da John Aubrey, ma anche questa ipotesi non è supportata da prove dirette.

Ipotesi più pausibili ma non verificate

Tra gli studiosi si è discusso di possibilità meno fantasiose ma pur sempre speculative: Shakespeare potrebbe aver trovato impiego presso compagnie di attori itineranti che visitavano Stratford e altre città, oppure aver iniziato a lavorare come attore e drammaturgo prima di stabilirsi definitivamente a Londra. Tuttavia, non esistono né consenso né documenti certi che lo confermino.

È anche vero che i biografi spesso proiettano indietro nel tempo la carriera teatrale di Shakespeare, ipotizzando che lavori come Enrico VI o La commedia degli errori siano stati composti verso la fine degli anni ’80 del XVI secolo. Ma queste date sono stime basate su stili letterari e prime testimonianze delle rappresentazioni, non su testimonianze dirette o altro tipo di prove.

Quando riappare sulla scena

Ciò che conferma con certezza la presenza del Bardo sulla scena teatrale è un pamphlet pubblicato nel 1592 dal drammaturgo Robert Greene, Greene’s Groats-Worth of Wit, in cui Shakespeare viene criticato come un nuovo “corvo arruffato” che si improvvisa autore teatrale. Questa è la prima menzione tangibile di Shakespeare come personaggio attivo nella Londra del teatro professionale.

Perché rimane un mistero

È utile ricordare che lacune nei documenti non erano rare nel XVI secolo, specialmente per persone non appartenenti alla nobiltà. Tuttavia, il silenzio sui Lost Years è particolarmente pronunciato per qualcuno che sarebbe poi diventato così centrale nella cultura inglese. Questa mancanza di prove non significa necessariamente che Shakespeare fosse assente da eventi importanti, ma piuttosto che nessuna testimonianza scritta è sopravvissuta.

Tra mito e realtà

Alla fine, i Lost Years di Shakespeare restano sì un enigma, ma uno di quelli alimentati più dall’assenza di prove che dalla presenza di fonti contraddittorie. Le teorie romantiche o avventurose possono essere affascinanti, ma gli storici concordano nel dire che nessuna versione è confermata dai documenti coevi. Quello che sappiamo per certo è che, al più tardi nel 1592, Shakespeare era già un drammaturgo e attore affermato nel vivace mondo teatrale di Londra, pronto a dare forma alle opere che più tardi sarebbero diventate classici della letteratura mondiale.

Grazie alla partecipazione dell’attore di teatro, cinema e televisione principale, lo spettacolo ha attirato un pubblico ancora più ampio del solito. Il suo ruolo di Prospero è stato particolarmente significativo perché Lopez-Tarso aveva fatto una priorità personale, dopo il suo ruolo di Re Lear negli anni ’80, di interpretare il ruolo principale un’ultima volta in una produzione dell’opera di Shakespeare alla UNA, completando così il suo mandato in quello che lui chiama “il miglior teatro del mondo”. 

La produzione la tempesta william shakespeare, una collaborazione tra l’Università Nazionale (UNA), l’Istituto Nazionale di Belle Arti (INBA) e l’Università Metropolitana, ha commemorato, tra l’altro, il 400° anniversario della prima rappresentazione dell’opera.

 L’86enne è considerato uno dei migliori attori del paese; nonostante la sua età, la sua esperienza e la sua voce distintiva lo rendono un Prospero vivente. Sia i giovani professionisti di varie scuole di recitazione che gli attori più anziani del vaudeville e delle imprese commerciali hanno lavorato al fianco di un uomo così famoso e rispettato, creando una miscela produttiva di stili. Il mix di attori commenta il modo in cui la gioventù e la maturità interagiscono nell’opera.

Una piattaforma inclinata che assomiglia a un ponte, un molo o una banchina diventa una nave, un’isola o una biblioteca a seconda di come vengono usati l’albero e le corde. Alcuni oggetti, come una sedia e un paio di barili, aiutano a definire lo spazio sul palco. I set flessibili accentuano il senso di meraviglia e di scoperta presente nello spettacolo.  Nei momenti chiave, come il naufragio e il banchetto, il proiettore esalta le immagini. L’illuminazione nei toni del blu, del verde e del viola enfatizza la fantasia dell’isola magica. La luce crea anche un contrasto e aiuta il pubblico a seguire le diverse storie dell’opera.

Il design dei costumi è piuttosto eclettico. Prospero e Miranda indossano abiti trasandati e fatti in casa che caratterizzano il loro esilio. Mentre Miranda si innamora, i suoi vestiti cambiano. Ariel, uno spirito femminile molto civettuolo, indossa un corsetto blu e un copricapo che trasmette i suoi movimenti ariosi e stilizzati. Le altre fate sono in topless e indossano solo gonne di foglie; i loro abiti ricordano le ballerine polinesiane o hawaiane, ma la loro danza è moderna. Calibano è caratterizzato come un mezzo rettile; il suo aspetto sottolinea questa differenza. Alonso e i suoi uomini contrastano con gli isolani; indossano abiti più sobri con un leggero tocco di conquistadores spagnoli. Anche se si tratta di una produzione, il tema del colonialismo non è enfatizzato nello spettacolo.

I costumi dei personaggi non sono l’unica attrazione esotica dell’isola. L’atmosfera attraente del luogo è creata dal suono. La musica è il veicolo della magia: la musica suggestiva delle fate danzanti, i cembali per i dolci incantesimi di Prospero, gli archi per gli incantesimi dolorosi, le canzoni seducenti di Ariel… Questi effetti musicali sono completati dalla superba traduzione di Alfredo Michel Modenesi, che trasmette sia la grandezza poetica dell’opera che il suo ironico senso dell’umorismo attraverso i modi di dire e le diverse varianti dello spagnolo di Trinculo e Stefano. Per più di due ore ci interrogheremo ed esploreremo come la libertà, la costrizione, l’obbedienza e la ribellione sono coinvolte nelle relazioni umane più elementari. Questo è complicato, tuttavia, dalla tensione erotica che sta alla base di molte di queste relazioni. Il perdono sembra essere la soluzione al problema.

Tipo: scena

Anno: 2021

Direttore: Salvador Garcini

Gioca: La tempesta

Lingua: spagnolo

Luogo: Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Ciudad Universitaria;

Diretto da: Salvador Gracini

Traduzione e adattamento di Alfredo Michel Modenesi

Produzione.

Scenografia: Eloise Kazan

Costumi: Edita Rzewuska

Disegno luci: Victor Zapatero

Coreografia di Ruby Tagle

Coordinatore della musica dal vivo: Isaac Pérez Calzada

Composizione di melodie ed effetti: Violeta Sarmiento, Mireya Gonzalez, Isaac Pérez Calzada, Paola Izquierdo

Cartello Tempestadpath

Protagonisti:

Edgar Omar Moreno – capitano della nave

Rodrigo Alcantara – Nostromo

Isaac Pérez Calzada – Marine

Felio Eliel – Alonso, Re di Napoli

Rafael Inclan – Antonio

Luis Couturier – Gonzalo

Roberto Sen – Sebastian

Adrien – Abraham Stavans

Violeta Sarmiento/Paola Izquierdo-Ariel

Lorena del Castillo-Miranda

Ignacio López Tarso-Prospero

Horacio Garcia-Caliban

Osvaldo de Leon – Ferdinando

José María Seoane – Trinculo

Roberto Duarte – Stefano

Icchelle de la Rosa, Mitzi Elisalde, Nayelli Acevedo, Erandi Mondragon, Mireya Gonzalez, Claudia Pastrana – Ninfe

Il nome di William Shakespeare è probabilmente familiare a tutti. La gente lo legge e si interessa a lui. Questo significa che ci sono molti soldi da fare con il suo nome. Ma quanto sappiamo effettivamente del più grande scrittore inglese di tutti i tempi?

Negli ultimi 200 anni circa, migliaia di visitatori hanno percorso i terreni della fattoria del Warwickshire dove si pensa che abbia vissuto la madre di William, Mary Arden. E in Giappone, dove due anni fa è stato aperto un “parco culturale” dedicato al grande britannico, una replica esatta della casa è stata vista con stupore da migliaia di persone.

Frasi d’amore William Shakespeare sono le più evidenti quando si tratta di poesia inglese e oltre. Ma la sua vita era altrettanto amorevole? Recenti ricerche hanno scoperto che Mary Arden in realtà è cresciuta in un’altra casa, nella vicina Glebe Farm. Un tale imbarazzo sarebbe sicuramente piaciuto allo stesso Shakespeare, nelle cui commedie i personaggi sbagliano regolarmente.

Penso che le parole “casalingo” e “domestico” siano piene di patriottismo. È qualcosa che viene coltivato o tessuto in casa. Vicino, nativo, familiare. Certo, ci sono termini simili in inglese, ma non hanno quella pregnanza e profondità di sentimenti. Con alcune eccezioni. Dite, non toccate la birra scura della fabbrica di birra locale conosciuta a circa dieci miglia da qui, o il classico teatrale Shakespeare.

Il Globe Theatre di Shakespeare, costruito sulla riva sud del Tamigi, è nato nel 1599, poi nel 1614 e risorge dalle ceneri per la terza volta nel 1997 grazie agli sforzi del regista e attore americano Sam Wanamaker, che ha messo più di un quarto di secolo della sua vita nel progetto.

Per riferimento, Sam Wannemaker è nato nel 1919 a Chicago da immigrati ebrei di Nikolaev, Manus Watnemaker e sua moglie Bobele. Si può quindi affermare che il Cento Nero russo ha contribuito indirettamente allo sviluppo dello shakespeareismo inglese.

Delle 38 opere di Shakespeare, 13 sono dedicate all’Italia. “Tito Andronico, Giulio Cesare, Antonio e Cleopatra, Coriolano, Il mercante di Venezia, Otello, La bisbetica domata e, naturalmente, Romeo e Giulietta.

Storici e letterati hanno ripetutamente sottolineato la sorprendente conoscenza dell’autore dei più piccoli dettagli che erano sconosciuti anche a qualsiasi italiano dell’epoca. Secondo una teoria, Shakespeare era un cattolico segreto, il che non era sicuro ai tempi di Elisabetta I, e andò in incognito a Roma in un seminario cattolico. Si è conservato, per esempio, un libro dei visitatori che nel 1587 elenca “William Clerk di Stratford”.

Il professore di letteratura italiana Martino Iuwara, tuttavia, pensa che dobbiamo scavare più a fondo. Secondo le sue ricerche, si scopre che Shakespeare era nato a Messina con il nome di Michelangelo Florio Crolanza, che non era cattolico, ma piuttosto protestante-calvinista. Michelangelo Crolanza dovette nascondersi dalla Santa Inquisizione e fuggì prima a Venezia, poi a Padova e Manta, e da lì si trasferì a Londra.

Gigi Proietti, direttore del Globe Theatre di Londra, nota che il poeta conosceva bene l’Italia.

“Forse”, dice, “Shakespeare stesso era italiano, anche se una tale affermazione non sarebbe mai stata accettata dalla cultura inglese.

“Multi-culti”, come dicono in Germania.

Citazioni dalle opere e dai sonetti di William Shakespeare sull’amore:

Povero è l’amore se può essere misurato. (“Antonio e Cleopatra”)

Tutti gli amanti promettono di realizzare più di quello che possono, e non riescono a realizzare nemmeno quello che possono. (“Troilo e Cressida”)

L’amore fugge da chi lo insegue e si getta al collo di chi fugge. (“Le allegre comari di Windsor”)

Uno sguardo può uccidere l’amore e uno sguardo può riportarlo in vita. (“Venere e Adone”)

È più pericoloso e dannoso nascondere l’amore che dichiararlo. (“Amleto”)

Con gli amanti, l’orologio di solito va avanti. (Il mercante di Venezia)

L’amore non ha occhi. (“I due veronesi”)

Mentre gli studenti si affrettano ad allontanarsi dai libri,

Con tanta gioia l’amore cerca l’amore.

Quando la scuola rattrista i loro occhi,

È così difficile separarsi dal suo amore.

(“Romeo e Giulietta”)

. se ti dai all’amore,

Ti immortalerà più fedelmente

che questa matita fragile e fuggitiva.

Se ti doni, sarai conservato per sempre

“Sarai conservato in un nuovo essere, un uomo.

(Sonetto #16)

Non voglio glorificare il mio amore.

Non lo venderò a nessuno!

(Sonetto #21)

Sopportiamo il dolore dell’amore

Peggio del veleno della discordia aperta.

(Sonetto n. 40)

Svegliati, amore! È il tuo bordo

Più noioso del pungiglione della fame e della sete?

Non importa quanto siano ricchi i cibi e le bevande,

Non puoi essere pieno per sempre.

Anche l’amore lo è. Il suo sguardo affamato

Oggi è esausto fino allo sfinimento,

E domani brucerai di nuovo,

Nato per bruciare, non per decadere.

Quell’amore può essere caro a noi,

Che l’oceano sia l’ora della separazione,

Lascia che i due scendano a terra,

Uno tende le braccia all’altro.

Che il freddo invernale sia l’ora,

Che la primavera ci riscaldi!

(Sonetto #56)

Può l’infedeltà

Può un grande amore finire?

L’amore non conosce l’appassimento e la decadenza.